Claroscuro

Javier Marín 

Es un artista visual mexicano, conocido principalmente por su obra escultórica alrededor del tema de la figura humana y por su explotación estética tanto en el plano de las bellas artes como en el de las artes decorativas. 

En sus primeras exposiciones presentó obra pictórica y gráfica. En un inicio, para su obra escultórica empleó exclusivamente barro, trabajando posteriormente en bronce; en los últimos años ha experimentado con nuevos medios en la escultura al emplear resina de poliéster mezclada con materiales orgánicos, como tabaco, tierra, semillas de amaranto, pétalos de rosas o fibras de carne seca, sumando en una misma obra lo industrial y artificial del plástico, en contraste con lo orgánico, natural y sutil de los otros materiales. 

La obra plástica de Marín, expandida más allá de la escultura, el dibujo y la pintura al diseño de piezas de cerámica y platería, ha sido exhibida, en el marco de más de 70 exposiciones individuales y más de 200 colectivas, en América, Europa y Asia; sus trabajos forman parte de diversas colecciones tanto públicas como privadas, incluyendo la del Museo de Arte Moderno de México, la del Museo de Bellas Artes de Boston, la Colección Blake-Purnell, entre otras.

Hace unos meses la exposición de claroscuro del escultor mexicano llegó a Aguascalientes, exponiéndose en el Museo Espacio, del 11 de julio al 24 de febrero de éste año, conmemorando sus 30 años de trayectoria.

La belleza de lo imperfecto 

Soporte artístico

Yves Tanguy

De acuerdo a los datos proporcionados por Thyseen Bornemisza Museo Nacional el pintor francés Yves Tanguy fue un miembro destacado del grupo surrealista parisiense. Su obra fue considerada paradigmática del movimiento por André Breton y, en los años cuarenta, ejerció una fuerte influencia sobre la generación de jóvenes artistas entre los que se encontraban Roberto Matta, Wolfgang Paalen y Esteban Francés. En 1923, tras contemplar una obra de Giorgio de Chirico en el escaparate de la galería Paul Guillaume que le impresionó enormemente, decidió dedicarse a la pintura y comenzar su formación autodidacta. Poco después se interesó por el surrealismo y, tras conocer a André Breton, con el que mantuvo una estrecha amistad, ingresó en el grupo a la vez que sus amigos el poeta Jacques Prévert y el escritor Marcel Duhamel. Su estilo pronto evolucionó del expresionismo de sus obras iniciales hacia el automatismo practicado dentro del surrealismo. A partir de entonces firmaría los manifiestos surrealistas y, desde 1927, participaría en las exposiciones con sus pinturas, caracterizadas por figuras de aspecto fantasmagórico y formas que crean perspectivas irreales que evocan una atmósfera onírica y atemporal en la que reina el silencio.   

Yves Tanguy pintor frances surrealista

Cambió su profesión de marino por la de pintor debido al enorme impacto que le causó la obra de Giorgio de Chirico. En 1925 comenzó a realizar sus lienzos siguiendo las características de la corriente surrealista. Con el cuadro L’Orage (1926) mostró aspectos del automatismo. Desde 1930 realizó numerosos paisajes de aspecto peculiar, con colorido blanquecino y desvalido y fuertes contrastes. Debo decir, que he visto algunas de sus obras y parecen tener un estilo sombrío, dejando de lado este sentido racional y solo impregnada de lo irreal, algo que me llamo la atención e que en varias de sus obras hace una difuminación en el fondo, como si fuera neblina, un ejemplo es la siguiente:

Through Birds Through Fire But Not Through Glass. 

Esta pintura se llama Through Birds Through Fire But Not Through Glass y podemos ver, hay distintas formas una  sobre la otra, que aparentemente no tienen significado, pero en realidad nos hace una representación fuera del círculo de lo real, una forma muy libre.  Además, el fondo está difuminado y creo que esto provoca que resalte más la representación central que hizo.  

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Introducción

El mundo está repleto de emociones y sentimientos que brotan en todas partes y necesitan ser expresados de una u otra manera. Así pues, el arte ha sido una alternativa para  hablar a través de pinceles, lapices, colores y demás, lo que a veces con la voz, no expresamos. 

Vincent van Gogh

Vincent van Gogh 

Considerado uno de los más grandes representantes de la pintura, nació el 30 de marzo de 1853 en Zundert, Holanda. Fue criado en una atmósfera religiosa, pues su padre era pastor, y es por esto que Vincent decide seguir los pasos de su padre. 

Tarda algún tiempo en dedicarse completamente al arte, pero en 1880 decide enfocarse en la pintura. Sus primeros pasos como pintor los marca Jean Francois Millet. 

Los padres de Vincent van Gogh tenían una tradición en Boussod y Valadon, una compañía internacional de comercio de arte, además tenían gusto por la literatura y las artes visuales, tal vez de esto se desprende que este artista estuviera tan conectado con el arte y la literatura.

Es importante resaltar que Vincent van Gogh pertenecía al impresionismo, pero también se interesó por el puntillismo a través de Pissarro y Signac. 

Finalmente, se suicida el 29 de julio de 1890 en Francia. 

La noche estrellada

La noche estrellada

Vincent van Gogh renuncia a la forma impresionista de observación directa de la naturaleza, para plasmar formas y colores del ámbito más imaginario e íntimo. Su interpretación personal da lugar a un estilo propio y único.

La composición muestra un cielo con dos espirales nebulosas que se abrazan una a la otra creando la sensación de movimiento y fluidez. En el cielo nocturno, junto con las once estrellas con halo propio y exagerado, se encuentra en la esquina superior derecha una luna creciente de tonos amarillentos igualmente luminosa, dando la impresión de un sol en vez de una luna.

Los elementos internos del cielo nocturno de La noche estrellada han sido analizados exhaustivamente, especialmente la estrella más luminosa del cuadro, que según investigaciones actuales correspondería al planeta Venus.

Uso del color

Van Gogh usa los colores para expresar emocionalidad. La distribución de los colores blancos, amarillos, verdes y azules que el pintor aplica en el cielo son mucho más vivos que los tonos sombríos usados en la ciudad.

El uso de los colores blanco y amarillo para crear el efecto de los espirales lleva la atención del espectador al cielo. Esto se refuerza mediante el uso de estructuras y líneas verticales, visibles en la iglesia y el ciprés, que quiebran sutilmente la composición, mantienen el equilibrio y dirigen la mirada al foco de interés del pintor.

Uso de la luz

El cielo nocturno, más iluminado que la ciudad, junto con el ciprés, árbol asociado al luto, oscuro y en forma de llama flamante, une el mundo terrenal al mundo celestial, reflejando la relación entre la vida y la muerte.

Pinceladas

Los trazos también acentúan el contraste entre el cielo y la ciudad. La ciudad es creada con trazos rectos, cuadrados y breves inculcando serenidad y acentuando la oposición de las curvas frenéticas del cielo.

La pintura está hecha con pinceladas energéticas y pastosas que forman surcos y relieves. Las líneas son dinámicas al serpentear y ondular por el cuadro, lo que crea sensación de movimiento continuo.

Pablo Picasso

Pablo Picasso

     Nacido en Málaga, pintó su primer cuadro a la edad de 8 años: "El picador amarillo". Pronto mostró una habilidad impresionante para su edad, era capaz de pintar gran cantidad de figuras ciñéndose con naturalidad a las normas más conservadoras de la composición académica.

     El estilo de Picasso no puede ser encuadrado en una lista finita, ya que no solo fue un gran aporte para los principales movimientos modernistas europeos, sino que ciertas vertientes se le atribuyen sólo a él (ej: protocubismo, periodo azul y el minotauro).

     El éxito de Picasso es un crisol de muchos factores: su genialidad, las escuelas donde estudió (Barcelona y París principalmente), su interés por lo social, su amistad con artistas y marchantes, su producción prolífica de cuadros, la mentalidad innovadora y su liderazgo. Si bien al final de su carrera tendía a pintar figuras cada vez más simples, rozando lo abstracto, su autoridad como artista era incuestionable, especialmente por su bagaje en obras de gran factura. Picasso se ganó el derecho a romper las reglas, ya que logró dominarlas a la perfección.

     Una obra muy famosa de Picasso es: Las señoritas de Avignon, su título original es, Les demoiselles d´Avignon, con un estilo cubista, de hecho se considera como la que impulsó la corriente cubista. Implemento técnica en óleo con soporte en tela y se encuentra en el Museo MoMA, Nueva York.